Una de las razones por las cuales quise escribir sobre este estudio, es lo mucho que me ha entregado; cada película tiene un significado diferente en mí y en gran medida, crecer junto a ellas, han influenciado en la persona que soy hoy en día.
Si, lo sé, es so Accurate pero es verdad, cada película hace que te regocijes, dependiendo en que punto de tu vida te encuentres.
Y otra de las razones, ocurrió hace un par de días: la partida de Isao a sus 82 años, hizo que me diera cuenta en que debía compartir junto a uds la historia de este estudio y recomendar algunas – iba a recomendar todas- de sus películas, porque este mágico mundo que creó Isao junto a su amigo Hayao debe siempre ser reconocido.
El estudio se originó luego del éxito obtenido con la película “Nausicaä en el valle del Desierto” (1984). Fue fundado en 1985 por los directores Hayao Miyazaki y Isao Takahata, además del productor Toshio Suzuki. Aunque la mayoría de películas han sido producidas y dirigidas por Miyazaki, hay otros directores que también han producido. Takahata, por ejemplo dirigió “La tumba de las luciérnagas” (1988). Otros directores invitados han sido Yoshifumi Kondo, Hiroyuki Morita y Gorō Miyazaki.
El estudio se ha caracterizado por sus animaciones, debido a su visión del mundo, a cuidar la naturaleza, los animales, la vida, la paz. Todo esto, viéndolo reflejado en sus siempre, protagonistas mujeres, fuertes y empoderadas.
En 2001 abrió el Museo Ghibli con sede en Tokyo, que incluye una exposición basada en las películas y animaciones, además de proyectar animaciones que no se encuentran en otro lugar.
El estudio cuenta con más de 25 producciones y se espera que continúen sacando más films, ya que al menos Miyazaki no ha querido retirarse todavía del mundo de la animación y esperamos que siga deslumbrándonos un buen tiempo más.
Sin más preámbulos, los dejo con mi lista de películas, de las cuales he considerado 10 films, – me costó ene elegir solo 10- pero que si o si recomiendo que las vean TODAS porque realmente no se van a arrepentir.
El Cuento De La Princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari, 2013) Dirigida por Isao Takahata
El cuento del cortador de bambú es un relato folclórico, es la narración japonesa más antigua que se conoce y que data del siglo X. Es el primer cuento popular japonés que el Studio Ghibli lleva a la pantalla grande. La dificultad de la adaptación es gigante, ya que hay muchas versiones de la misma historia. Sin embargo, el guión de Takahata y Sakaguchi se aleja de las incongruencias que hay entre todos estos relatos, para crear una versión propia del cuento que se sigue sin dificultad y donde ese ritmo pausado y contemplativo provoca que la película resplandezca como esa narración milenaria que desea ser.
El Viaje De Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001) Dirigida por Hayao Miyazaki
Mi vecino Totoro refrendó a Ghibli entre las audiencias niponas, pero El viaje de Chihiro marcó su consolidación en el mundo. La historia –que ha sido comparada con Alicia en el País de las Maravillas y El mago de Oz– sigue a una niña que debe adentrarse en el mundo de los espíritus para rescatar a sus padres, quienes fueron transformados en cerdos por una bruja oriental. La película ha sido aclamada por sus tributos a la cultura japonesa con toda clase de personajes fascinantes, pero también por aprovechar su mitología para la construcción de un singular coming of age. Estas cualidades no pasaron desapercibidas para la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que la reconoció con el Oscar a Mejor película animada por encima de filmes mucho más taquilleros como Lilo & Stitch o La era de hielo. Estos factores fueron fundamentales para que El viaje de Chihiro popularizara el anime por el mundo entero, concediera nuevos bríos a la técnica tradicional y se ubicara entre las máximas joyas animadas de todos los tiempos.
El Castillo Ambulante (Howl no ugoku shiro, 2004) Dirigida por Hayao Miyazaki
El viaje de Chihiro abrió la magia de Ghibli al mundo entero y centró la atención en el próximo estreno del estudio: El castillo ambulante. La cinta –inspirada en la novela de Diana Wynne Jones– narra la historia de Sophie, una joven convertida en anciana por una bruja y quien recurrirá al apoyo de un hechicero con la esperanza de regresar a su estado normal, sólo para descubrir que el personaje también necesita ser salvado de sus propios demonios. Quizás esta película no igualara los éxitos de su antecesora, pero esto no le impide ser una de las grandes joyas del estudio.– Y para mi, que es una de mis favoritas- Buena parte de su encanto radica en el uso de simbolismos para cada uno de sus personajes, donde el castillo representa al propio Howl, Calcifer los deseos ardientes del corazón y Sophie la experiencia obtenida con la edad adulta. Mención aparte para la historia, pues su realización en plena guerra entre Estados Unidos e Irak la dotó con un intenso mensaje antibélico, donde Hayao Miyazaki critica directamente la personalidad de quienes fomentan estos males. A pesar de ello, el cineasta también mantiene sus esperanzas y concluye que hasta las personas más tiránicas son capaces de cambiar en beneficio del bien común.
La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997) Dirigida por Hayao Miyazaki
La princesa Mononoke fue considerada por años como el mayor logro en la carrera de Hayao Miyazaki. La trama fusiona historia antigua y viejas leyendas del país oriental para abordar un doble mensaje de ambientalismo y pacifismo. Después de todo, la cinta se centra en una batalla entre una comunidad minera y los usurpados dioses del bosque. Aunque suene a temas recurrentes en la filmografía del estudio, su riqueza radica en la manera en que ambos son transmitidos, pues se trata de una historia sin héroes ni villanos bien definidos y donde cada parte lucha por un mejor estilo de vida en el mundo cambiante. Esta clase de conflictos obligan al surgimiento de héroes improbables, que contra todos los pronósticos, son los únicos capaces de lograr un cambio verdadero.
Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988) Dirigida por Hayao Miyazaki
Studio Ghibli nunca tuvo mucha confianza en Mi Vecino Totoro e incluso estaba listo para un tropezón financiero que intentó evitar con la doble proyección de una película más madura como La tumba de las luciérnagas. Al final, la criatura no fracasó durante su estreno, pero tampoco tuvo una gran aceptación entre el público. La situación cambió cuando la figura de Totoro fue puesta en venta, pues las audiencias niponas fueron capturadas por su simpatía, le convirtieron en referente inmediato del estudio y lo ubicaron entre los personajes más populares de la animación mundial. Un desenlace justo para la que la sido definida como la cinta más personal en la filmografía de Hayao Miyazaki, sobre dos niñas que se mudan al campo para estar cerca de su madre enferma, ignorantes que ahí conocerán una criatura mágica que les ayudará en sus penas.
La Tumba De Las Luciérnagas (Hotaru no Haka, 1988) Dirigida por Isao takahata
Quizás Hayao Miyazaki sea el mayor referente de Ghibli, pero esto no lo convierte en su único genio creativo, siendo La tumba de las luciérnagas el mejor ejemplo de ello. El director y co-fundador del estudio, Isao Takahata, aprovecha el cuento autobiográfico de Akiyuki Nosaka para realizar una de las obras más desgarradoras en toda la historia del cine animado, sobre un joven nipón que intenta proteger a su hermana menor de la hambruna, las enfermedades y otros horrores surgidos tras la culminación de la II Guerra Mundial. Aunque muchos han aplaudido su mensaje pacifista, el cineasta ha reiterado que su primera intención nunca fue criticar la guerra, sino el aislamiento de algunos sectores de la sociedad, provocado en muchas ocasiones por la indiferencia hacia la desgracia ajena.
Kiki: Entregas A Domicilio (Majo no takkyūbin,1989) Dirigida por Hayao Miyazaki
La cinta relata la historia de una joven bruja llamada Kiki, que aprovecha sus habilidades voladoras para convertirse en mensajera, lo que le permite salir adelante en su nueva vida independiente. En el papel, Kiki puede lucir como una película mucho más sencilla que otras obras de Ghibli. Esto no es completamente cierto, pues la protagonista representa la transición de la infancia a la edad adulta: un personaje aislado, que intenta ser fuerte cuando está llena de dudas emocionales y que debe aprender los valores propios de su nueva edad. Sin embargo, las metáforas del personaje son mucho más complejas, pues algunos consideran que la hechicera también es un reflejo de una sociedad japonesa altamente tradicional que muchas veces se rehúsa a abrazar otras costumbres, lo que dificulta su acceso absoluto en un mundo cada vez más global.
Ponyo Y El Secreto De La Sirenita (Gake no ue no Ponyo, 2008) Dirigida por Hayao Miyazaki
La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro y El Castillo Ambulante, marcaron el punto más elevado en la carrera de Hayao Miyazaki, por lo que muchos cuestionaron su regreso al cine meramente infantil con Ponyo, sobre un niño que establece una tierna relación con una criatura mágica del mar. El realizador guardó silencio ante cualquier duda con una historia que si bien resultó digerible para los más pequeños, también se caracterizó por su enorme profundidad al adoptar elementos de obras clásicas como La sirenita de Hans Christian Anderson y El anillo del Nibelungo de Richard Wagner. A esto sumemos sus cualidades artísticas, al olvidarse del CGI para convertirse en una de las últimas películas realizadas completamente con técnicas tradicionales. Aunque esto representó un enorme desafío, el cineasta justificó su decisión al Daily News tras explicar que “el mundo podrá dirigirse a la alta tecnología, pero me gustaría que Studio Ghibli fuera como un barco de madera que navega con velas. Claro que podemos hundirnos. No sé si seamos lo suficientemente fuertes”. Al final, el genio de la animación lo fue, pues Ponyo se convirtió en uno de los mayores éxitos críticos y financieros en toda la historia del estudio.
El Viento Se Levanta (Kaze Tachinu, 2013) Dirigida por Hayao Miyazaki
Suele ser catalogada como la cinta más polémica entre todas las obras de Hayao Miyazaki. De partida, porque pocos comprendieron que un eterno pacifista adaptara la vida de Jiro Horikoshi, quien diseñara los aviones empleados por el ejército japonés durante la II Guerra Mundial. A esto sumemos su abrupto uso del realismo tras una carrera caracterizada por la magia. Finalmente porque marcó su despedida con un retiro que se mantiene –al menos parcialmente– hasta nuestros días. Nada de esto evita que El viento se Levanta, ascienda entre los principales logros de Ghibli, no sólo por su perfección técnica, sino por su mensaje que rinde homenaje a los genios de la humanidad y les exime de toda culpa por el mal uso de su tecnología.
El Castillo En El Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) Dirigida por Hayao Miyazaki
Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la Fortaleza Celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misteriosos lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.
Volá Mística CL 